Enorme déception. C'est magnifiquement filmé et les images sont sublimes. mais le scénario est d'une vacuité intersidérale et quand il n'y a pas de scénario, les acteurs peuvent s'agiter tant qu'ils veulent... ça ne donne rien. Ennuyeux et violent. je ne le mets pas dans super nul parce que c'est très bien filmé.

scénario: 5/20     technique: 20/20     acteurs: 12/20   note finale: 5/20

A part la remarquable interprétation de Tom Hardy qui joue remarquablement les deux frères, je ne vois pas l'intérêt d'aller voir ce film. C'est violent et idiot. Le scénariste ne s'est pas foulé. Un film sur la mafia pas terrible.

scénario: 6/20   acteurs: 17/20   technique: 16/20   note finale: 8/20

Londres, les années 60. Les jumeaux Reggie et Ronnie Kray, célèbres gangsters du Royaume-Uni, règnent en maîtres sur la capitale anglaise. À la tête d’une mafia impitoyable, leur influence paraît sans limites. Pourtant, lorsque la femme de Reggie incite son mari à s’éloigner du business, la chute des frères Kray semble inévitable…

Bof. On s'interroge vraiment sur la nécessité de ce film qui n'apporte rien du tout. Il y a des tas de films sur l'adolescence beaucoup plus réussis. C'est un genre de téléfilm.

scénario: 12/20      acteurs: 15/20   technique: 15/20   note finale: 12/20

Mon père est atroce, ma mère est atroce, mes sœurs aussi, et moi je suis la pire de tous.
En plus, je m’appelle Aurore.
Les profs me haïssent, j’avais une copine mais j’en ai plus, et mes parents rêvent de m’expédier en pension pour se débarrasser de moi. 
Je pourrais me réfugier dans mon groupe de rock, si seulement ils ne voulaient pas m’obliger à chanter devant des gens.
A ce point-là de détestation, on devrait me filer une médaille.
Franchement, quelle fille de treize ans est aussi atrocement malheureuse que moi ?

 Bof, c'est la cas de la dire. Les longueurs s'enchainent et on se demande comment on a pu faire un tel navet avec d'aussi bons acteurs. Malheureusement, quelque soit le talent des acteurs, un scénario aussi débile et bâclé ne peut donner un bon film. On s'ennuie ferme. Et je passe sur les invraisemblances. Dommage

scénario: 5/20   acteurs: 12/20    technique: 12/20   note finale: 6/20

Un hiver pire que jamais. Le gouvernement publie un décret obligeant les citoyens français les mieux logés à accueillir chez eux pendant la vague de froid leurs concitoyens en situation précaire. A l’heure du Grand Partage, un vent de panique s’installe à tous les étages dans un immeuble très chic de la capitale.

C'est magnifique: les décors et les costumes sont somptueux, l'image est d'une beauté à couper le souffle! Mais Macbeth reste Macbeth et c'est d'un ennui à mourir. On passe d'une bataille à l'autre, les acteurs font la tronche tout au long du film. C'est d'un ennui mortel, même si esthétiquement, c'est très réussi.

scénario: 16/20   acteurs: 16/20   technique: 19/20   note finale: 12/20

11ème siècle : Ecosse. Macbeth, chef des armées, sort victorieux de la guerre qui fait rage dans tout le pays. Sur son chemin, trois sorcières lui prédisent qu’il deviendra roi. Comme envoûtés par la prophétie, Macbeth et son épouse montent alors un plan machiavélique pour régner sur le trône, jusqu’à en perdre la raison.

« La vie est une histoire dite par un idiot, pleine de bruit et de fureur, et qui ne signifie rien. »
Adapter Macbeth… après Orson Welles, après Roman Polanski… fichtre ! Pour s’attaquer à une telle montagne, il fallait de l’audace, du culot, voire de l’inconscience. Justin Kurzel, talentueux cinéaste australien, n’en manque sans doute pas et nous livre ici, pour son second long métrage, sa version très cinématographique, tendance plein écran, de l’œuvre de Shakespeare. C’est du lourd, du majestueux, du spectaculaire, du sanglant et de l'ennuyeux.
Les puristes et fins connaisseurs de Shakespeare ne trouveront peut-être pas leur compte dans cette transposition à l’écran, qui déborde largement du cadre théâtral et peut agacer par son côté film à gros budget, grosse production avec casting international. Mais il y a le texte, incandescent, splendide, et une histoire terrifiante et universelle qui pourrait résonner comme la source originelle de bien des œuvres cinématographiques.

La mise en scène allie avec un incontestable sens du rythme les scènes de bataille et les scènes intimes et nous transporte dans des décors contrastés, entre huttes modeste et châteaux imprenables, entre montagnes embrumées et landes écossaises. La magie du cinéma joue à plein régime et sans doute faut-il accepter les codes du film d’action pour se plonger sans réserve dans la tragédie de Macbeth et être bouleversé par sa descente aux enfers. On plongera avec lui, pour notre plus grand bonheur, entre effroi et tension.
Michael Fassbinder est un Macbeth complexe et grandiose : sa force, sa carrure rendent infiniment émouvante l’innocence du personnage, vite perdue avec le premier meurtre qui le précipite droit vers un bain de sang qui le dépasse. Jusqu’au bout, la tyrannie que Macbeth exerce semble enfantine et il se raccroche aux prophéties des sorcières comme un gamin aux contes qu’on lui lit. Tout en lui, même sa grandeur, semble absurde. Au fil de la tragédie, sa stature de colosse va se craqueler, gangrénée par l’épuisement et la certitude du destin funeste qui s’annonce.
Quant à Marion Cotillard, que l’on soit ou non un inconditionnel de la comédienne, on ne peut que reconnaître son immense talent dans cette interprétation de Lady Macbeth, qui est paraît-il au théâtre l’un des personnages les plus difficiles à jouer. Elle manie le vers shakespearien à la perfection et incarne avec un froid glacial cette femme assoiffée de sang et de grandeur, machiavélique manipulatrice qui précipitera son homme dans le gouffre et se perdra elle-même.

Et comme nous sommes au cinéma et pas au théâtre, la caméra capte au plus près le souffle qui entrecoupe chaque vers, habité par la soif du pouvoir et l’étincelle de folie destructrice qui anime les regards. xi^e siècle, en Ecosse. Macbeth, charismatique chef des armées, sort victorieux de la guerre qui fait rage dans tout le pays. Sur son chemin, trois sorcières lui prédisent qu’il deviendra roi. Comme envoûtés par la prophétie, Macbeth et son épouse montent alors un plan machiavélique pour accéder au trône, jusqu’à trahir les leurs, jusqu’à en perdre la raison…

 Déception! C'est ennuyeux à s'endormir... La danoise qui joue est très mauvaise. Il faut dire qu'elle parle mal.

scénario: 12/20   technique: 16/20   acteurs: 12/20   note finale: 12/20

Michel Racine est un Président de cour d'assises redouté. Aussi dur avec lui qu'avec les autres, on l'appelle " le Président à deux chiffres ". Avec lui, on en prend toujours pour plus de dix ans. Tout bascule le jour où Racine retrouve Ditte Lorensen-Coteret. Elle fait parti du jury qui va devoir juger un homme accusé d'homicide. Six ans auparavant, Racine a aimé cette femme. Presque en secret. Peut-être la seule femme qu'il ait jamais aimée.

Il y a les retours à Ithaque. Et puis il y a plus court : les retours vers l’amour. Avec là aussi des embûches et des obstacles, avec d’interminables silences et des grandes plages de solitude. Mais quand la fin du voyage annonce les premiers pas sur des terres inexplorées qui promettent la lune, c’est encore plus beau qu’une Odyssée…
Beau, le film de Christian Vincent l’est assurément, pas d’une beauté plastique, pas d’une beauté classique, d’une beauté humaine, terriblement bouleversante parce que terriblement simple. Et si l’on est autant touché au cœur, presque malgré nous, c’est parce que cette humanité qui se révèle, qui se dévoile, qui veut se cacher, qui ne peut se soustraire… se manifeste dans un lieu a priori peu propice : une cour d’assise. C’est la très bonne idée de L’Hermine : choisir ces murs promis aux histoires les plus sordides, ou les plus douloureuses, ou les plus pathétiques pour y faire naître de la grandeur d’âme, de la dignité, du sentiment amoureux.

Mais c’est aussi un film à double facette : à la fois le portrait d’un homme complexe qui semble blasé et revenu de tout (et quand l’homme en question est interprété par un Fabrice Luchini au meilleur de sa forme, c’est déjà en soi toute une aventure) et le récit captivant d’un procès. L’équilibre entre l’intime et le judiciaire, entre l’affectif et le social, est toujours savamment dosé, sans que l’un prenne le pas sur l’autre, et les deux finissent par se nourrir, se répondre, s’interroger au fil d’une mise en scène qui semble être d’une simplicité limpide mais qui est en réalité aussi complexe qu’une partition symphonique.
Et ce qui ne gâche rien, tout est conté avec une telle délicatesse, avec tant d’humour en filigrane que ce qui pourrait être plombant ne l’est jamais, car toujours allégé par un soupçon de fantaisie. Même dans les scènes les plus difficiles – c’est un infanticide que juge ce procès d’assises –, Christian Vincent s’en tire toujours avec intelligence et panache et ne tombe pas dans le panneau d’un cinéma platement réaliste : tous ses personnages, dans le box, sur le banc des accusés ou parmi les jurés, existent bien plus par leur tempérament que par leur déterminisme social.

Michel Racine est un Président de cour d’assises redouté. Aussi dur avec lui qu’avec les autres, on l’appelle « le Président à deux chiffres » parce qu’avec lui, on en prend toujours pour dix ans minimum. Un nouveau procès commence et Michel a la grippe, autant dire que ça n’arrange pas vraiment son tempérament naturel qui n’est pas des plus avenants, ni des plus joyeux. En même temps, le Président Racine n’est pas là pour se marrer. Les mauvaises langues pensent que c’est un emmerdeur gris, aigri, sans amis. En même, temps, le Président Racine n’est pas là pour taper le bout de gras.
C’est un nouveau procès, pas vraiment banal mais dont le déroulé va se faire suivant une procédure parfaitement huilée que le Président Racine mène comme un chef d’orchestre, avec un sens du rythme, de la répartie, et ce petit truc en plus qui n’appartient qu’à lui. Mais une femme (c’est l’irrésistible Sidse Babett Knudsen), venant d’une plage lointaine, a rapporté dans les plis de sa robe de dentelles quelques grains de sable… exactement le genre d’imprévu que Michel Racine n’avait pas anticipé.

Le jeu tout en délicatesse et en nuances d'Isabelle Carré n'en fait que plus ressortir le jeu approximatif de Patrick Bruel qui nous propose là une bien piètre prestation. Le scénario est moyen. C'est bien filmé. Vite vu, vite oublié. Encore un film qui ne sert à rien et n'apporte rien.

scénario: 12/20   acteurs: 12/20 (I.Carré: 18/20)   technique: 16/20   note finale: 12/20

Gabrielle élève seule sa fille Claire. À 17 ans celle-ci est enceinte de Simon qui refuse de se voir imposer ce bébé. Gabrielle prend les choses en main et décide de demander de l’aide au père de Simon. Elle débarque donc dans le bureau d’Ange, mais celui-ci, célibataire endurci et grand séducteur, n’a jamais assumé sa paternité et n’a aucune intention de le faire. C’est une première rencontre explosive mais Gabrielle ne manque ni de charme, ni de détermination.

Ces indiens s'ennuient dans leur réserve et le spectateur aussi. C'est dommage, un montage plus dynamique, plus d'image traditionnelles auraient donné un peu d 'énergie à ce film qui en manque singulièrement. Les acteurs sont cependant formidables et c'est bien filmé. Mais avec un scénario aussi minimaliste...

scénario: 8/20   technique: 16/20   acteurs: 16/20   note finale: 10/20

Johnny vient de terminer ses études. Lui et sa petite amie s'apprêtent à quitter la réserve indienne de Pine Ridge pour chercher du travail à Los Angeles. La disparition soudaine du père de Johnny vient bousculer ses projets. Il hésite également à laisser derrière lui Jashaun, sa petite sœur de treize ans dont il est particulièrement proche. C'est tout simplement son avenir que Johnny doit maintenant reconsidérer…

Découvert à la Quinzaine des Réalisateurs lors du dernier Festival de Cannes, voici un premier film d'une maturité rare, poignant de réalisme et bouleversant d'amour. Les Chansons que mes frères m’ont apprises décrit avec retenue et sensibilité le quotidien d'une réserve indienne au cœur des grandes plaines du Dakota du Sud. Passionnée par la communauté Lakota de Pine Ridge, la jeune réalisatrice – d'origine chinoise, paradoxe – Chloé Zhao s'est immergée pendant près de quatre ans dans cette réserve avant de filmer avec respect et humilité l'un des drames de l'histoire américaine, la condition actuelle des « Native Americans ».
Les deux héros principaux sont frère et sœur : Johnny et Jashaun (formidables, non professionnels comme la plupart des acteurs du film) grandissent à Pine Ridge, le cœur et les veines nourries du sang de leurs ancêtres Lakotas.

Johnny, tout juste sorti de l'adolescence, est plein d'espoir et de projets. Son avenir, c'est l'ouverture vers le monde, vers l’ailleurs, très loin. Ici les espaces sont à perte de vue, pourtant il se sent enfermé. Partir, suivre sa petite amie à Los Angeles est la seule issue raisonnable pour échapper à la pauvreté endémique de sa communauté gangrenée par l'alcool, prohibé et donc objet de commerces sous-terrains et de guerres fraticides. Johnny veut s'envoler, mais son père – qu'il ne voyait quasiment plus – meurt subitement dans l'incendie de sa maison et les scrupules l'étreignent : quitter sa sœur chérie, sa mère esseulée, le peut-il ?
Sa jeune sœur Jashaun, gamine lumineuse, se construit au travers des traditions et de tous ceux qui l'entourent : ses grands demi-frères, images tutélaires qui eux ont eu la chance de vivre sous le toit paternel, et un grand-oncle de substitution, formidable styliste marginal, hobo lunaire qui aurait pu sortir de l'imagination d'un Kerouac et qui lui promet sa robe de pow wow.
La mise en scène est d'une belle élégance, d'une fluidité parfaitement maîtrisée, sans excès de style ni de séduction mal placée, l'émotion monte, par saccades régulières, et ne nous laisse pas tout à fait indemne. Les visages et les gestes de Jashaun et Johnny (les acteurs ont le même prénom que leurs personnages) sont d'une justesse, d'une vérité saisissantes : cette vie-là, c'est vraiment la leur, le film, c'est bien leur quotidien. C'est sensuel, c'est charnel, les êtres sont reliés viscéralement à leur terre, à leur peau d'Indien, leurs chevaux, le rodéo est presque un sport national. La réalisatrice a un vrai sens du cadre et de l'espace, elle offre à notre regard émerveillé les paysages sublimes du Dakota du Sud, ses grands espaces fascinants. La photographie est majestueuse et solaire. Difficile de ne pas penser au Terrence Malick de Badlands ou Les Moissons du ciel… Les plaines à perte de vue sont pour le spectateur de vrais moments de respiration, on s'y perd, s'y retrouve, et pour nos héros ce sont le lieu des réponses et des silences nécessaires.

Dans un souci d'authenticité et de collaboration permanente avec les habitants de la Réserve, la réalisatrice n'avait pas de scénario définitif, juste une ébauche, chaque scène étant écrite le matin même, inspirée du quotidien. Certaines séquences – l'incendie de la maison d'enfance de la jeune Jashaun, le portrait de l'ami qui vient de se donner la mort – sont bien réelles mais replacées avec intelligence au fil de la fiction, en accord avec les acteurs qui rejouent ainsi leur bribe de vie disparue.
La danse finale du pow wow de la jeune fille nous transporte. Jashaun semble voler, décoller comme si dans l'air une musique symphonique, des êtres immatériels – des « élémentals » comme les nomment les Indiens – venaient la faire tournoyer, dans une communion des esprits et de ses frères. La danse traditionnelle, c'est à peu près tout ce qui reste de cette civilisation sacrifiée, la religion est oubliée, la langue et les chansons se perdent, les traditions s'effritent… Mais comme le murmure un des héros du film, Sitting Bull prophétisait que tout recommencerait avec la septième génération…
Geronimo, lui, disait : « Nous sommes en train de disparaître de la surface de la terre, mais je continue à croire qu’il doit y avoir une bonne raison pour que Yoséné (Dieu) nous ait crées. » Grâce à ce film magnifique, nous en sommes plus que jamais persuadés.

Ouai bof, beaucoup de bavardages pour pas grand chose finalement. Encore une jeune actrice qui est nulle: Marina Vacth fait de la peine tant elle est pathétique. Les autres s'agitent dans tous les sens et c'est un peu vain. Le scénario n'est vraiment pas terrible, c'est le moins qu'on puisse dire. Et il y a un horrible fruit de fonds, un genre de clac clac énervant, un peu comme de la techno. Une horreur.  Mais c'est bien filmé. On peut éviter!

scénario: 6/20      acteurs: 10/20    technique: 16/20   note finale: 8/20

Jérôme Varenne, qui vit à Shanghai, est de passage à Paris. Il apprend que la maison de famille d’Ambray où il a grandi est au cœur d’un conflit local. Il décide de se rendre sur place pour le résoudre. Cette échappée provinciale changera sa vie…

Jérôme Varenne (Mathieu Amalric, égal à lui-même), qui vit à Shanghai, est de passage à Paris chez sa mère (Nicole Garcia, inoxydable). Il apprend que la maison de famille où il a grandi, sur le point d’être vendue, est au cœur d’un litige entre l’acheteur (Gilles Lellouche) et le maire de sa ville natale (André Dussollier, savoureux). Plus curieux que son frère (Guillaume de Tonquédec, drolatique), il décide de se rendre sur place pour tenter de démêler l’affaire. Il ne se doute pas que ce retour vers son passé va bouleverser sa vie…
Jean-Paul Rappeneau est un cinéaste rare (c’est seulement son troisième opus depuis Cyrano de Bergerac) car perfectionniste. Une fois encore, il réussit un film comme on n’en fait plus beaucoup à présent, qui n’a pas peur des grands sentiments, et qui, par le nombre de ses péripéties, son souffle, l’importance qu’il accorde à sa galerie de personnages, acquiert une densité romanesque. Bondissant, vif, alerte, le film, imparablement rythmé, est un régal de chaque instant.

« Jean-Paul Rappeneau, c’est l’auteur du Sauvage, l’une des très rares comédies françaises dignes des grandes comédies américaines des années trente et quarante. Dans Belles familles, on retrouve cette orfèvrerie des comédies sophistiquées, cent coudées au-dessus de l’ordinaire comique de notre cinéma. Rappeneau ne cherche pas à exploiter un filon commercial à la mode, à faire un coup facile au box-office, mais à fignoler patiemment et amoureusement un film de genre « comédie » avec les méthodes anciennes. Ces méthodes anciennes consistent en un récit complexe mais limpide, avec une intrigue à plusieurs tiroirs et doubles fonds, des dialogues à double sens et sous-entendus, des échos et rimes qui miroitent tout du long, des quiproquos, des personnages pas à leur place, des ellipses, une gestuelle quasi-burlesque, des plans et un montage qui parlent parfois mieux qu’une ligne de dialogue, des variations entre le rire, la gravité et la profondeur. Belles familles est un subtil et gracile édifice.
« Méthodes old school ne veut pas dire film vieillot. Belles familles parle d’aujourd’hui, de notre temps mondialisé et accéléré par les technologies. Ou plutôt, il montre l’entrechoquement entre une certaine France, ses vieilles pierres, ses anciennes familles, ses règles et lois immuables, ses classes sociales, ses rythmes lents, son art de vivre et sa pesanteur, et le monde de la classe affaires internationale, sa fluidité, sa rapidité, son métissage, son efficacité, sa froideur, son cynisme. Tout le film est construit sur le frottement entre ces vitesses asynchrones, fuseaux horaires contre ancrage ancestral, tradition-héritage contre modernité-nomadisme : comment dilater, retarder, le moment de signer un deal franco-chinois à Londres (capitale de la finance-business globalisée) et comment concentrer, accélérer le règlement d’une succession dans une sous-préfecture de province. Le héros, Mathieu Amalric, est écartelé entre ces deux options de vitesse, qui sont aussi des choix politiques, romantiques, existentiels. Dans le registre comédie française grand public, je n’échangerais pas ce Belles familles haut cru contre tout ce qui se fait et cartonne depuis des années. »

 Pour moi, le principal dans un film, c'est le scénario! or là, le scénario... il n'y en a pas trop. Alors les acteurs font ce qu'ils peuvent. Et on a beau chercher midi à 14h, là le scénario est plus que décevant. la fin est nulle. Bon, il fallait bien que le film s'arrête un jour. Il aurait également fallu approfondir les personnages, leur donner du relief. cela doit être un premier film et c'est bof. Beaucoup trop superficiel.

scénario: 5/20    acteurs: 14/20    technique: 14/20   note finale: 12/20

De retour du combat, Vincent, victime de troubles de stress post-traumatique, est chargé d’assurer la sécurité de Jessie, la femme d'un riche homme d'affaires libanais, dans sa propriété « Maryland ».
Tandis qu'il éprouve une étrange fascination pour la femme qu'il doit protéger, Vincent est sujet à des angoisses et des hallucinations. Malgré le calme apparent qui règne sur « Maryland », Vincent perçoit une menace extérieure...

Maryland présente un intérêt particulier. Romanesque, il assume les ficelles du genre et en joue de manière inhabituelle. On peut tout aussi bien le voir au premier degré comme un très bon suspense ou y entrer à des niveaux plus subtils, distanciés, presque moqueurs. Peut-être est-ce le fait qu'une femme soit derrière la caméra. De façon très culottée, la réalisatrice d'Augustine (son premier film) se confronte à un domaine généralement (quelques exceptions, dont Kathryn Bigelow en Amérique ou Claire Denis chez nous) réservé aux hommes et lui imprime sa marque. Alors qu'elle met en exergue chez son actrice principale (Diane Kruger) son côté femme objet, « femme trophée », sa caméra caresse son acteur presque amoureusement (le corps filmé a du répondant : c'est celui du Matthias Schoenaerts de Bullhead, De rouille et d'os, Loin de la foule déchaînée…). Alice Winocour fait de son héros un objet de désir animal tout en nous immergeant dans son monde déglingué.

Le monde de Vincent… c'est celui de la guerre. L'action, les camaraderies viriles, l'adrénaline qui monte au combat. Il en est devenu tellement accro que le retour à une vie normale lui semble plus qu'insipide : inaccessible. Musclé, surentraîné, efficace, en état d'alerte permanent… Il est à lui tout seul l'incarnation du plan vigipirate appliqué par Rambo. Plus vite dit : il est complètement barré ! Même s'il a conservé son intégrité physique, il est à l'intérieur tout autant estropié que ses camarades qui ont sauté sur une mine. Dans sa tête, ça fourmille comme dans un jeu vidéo frénétique. Tendu tel un jaguar en chasse, toujours prêt à bondir, il guette le moindre son, le moindre geste, la moindre présence comme si c'était celle d'un ennemi potentiel : réflexes vitaux sur un champ de bataille mais inutiles, voire handicapants, dans la vie civile. D'autant que les cachetons qu'il s'est habitué à prendre massivement pour tenir le coup altèrent son jugement. La réalité se distord, lui demandant des efforts considérables pour faire la part des choses et ne pas déraper. Il a beau essayer de tricher auprès des médecins militaires, ceux-ci refusent de le renvoyer en mission, sa seule manière de vivre…
Là où l'armée fait preuve d'un minimum de bon sens, le monde du travail se montre beaucoup moins circonspect : le voilà donc qui reprend du service dans une société de surveillance. Sa carrure massive, sa gueule impénétrable, son regard presque fou en font naturellement un vigile crédible dont émane une autorité immédiatement dissuasive.
Et c'est ainsi qu'il se retrouve parmi la bande de gros bras embauchée pour surveiller, lors d'une sauterie friquée, une incroyable propriété : Maryland. Vincent est une véritable bombe à retardement paranoïaque qui traine au milieu de l'équipe. La soirée bat son plein, les voitures sombres défilent, déposant des personnages importants, les femmes les plus sexy. Au milieu de tout ça, nos hommes en noir louvoient, parés d'oreillettes, costard/flingue, l'œil happé par une profusion d'écrans de vidéo surveillance… Mais l'œil de Vincent est surtout happé par le décolleté audacieux de la maîtresse de maison. Entre eux s'installe peu à peu un jeu de regards de plus en plus troublants, tandis que Vincent commence à mettre le nez là où il ne devrait pas…

Pour vivre tranquille dans cette richissime prison dorée, mieux vaut ne pas être regardant sur la manière dont s'est construit l'empire du riche mari de Jessie. Les allusions indirectes à des affaires, à des conflits internationaux, laissent libre cours à toutes les interprétations. Maryland pourrait se situer n'importe où sur la planète. C'est le symbole d'une caste aussi privilégiée que peu vertueuse, pour laquelle l'humain n'a de valeur que lorsqu'il lui rapporte et qui n'a aucun scrupule à s'en servir comme de la chair à canon : ce que fut et reste Vincent… Boucle infernale dont il bien a du mal à s'extirper…

Ouai bof. Le film en lui-même est assez intéressant mais il manque une fin, une explication, la réaction de la famille, etc... Le scénario est très moyen. On reste vraiment sur sa faim. Et cette histoire est légèrement à dormir debout.

scénario: 8/20     acteurs: 15/20    technique: 15/20     note finale: 8/20

Un soir d'orage, un architecte, marié et bon père de famille, resté seul pour le weekend, ouvre sa porte à 2 superbes jeunes femmes mal intentionnées…

un film inutile et débile comme seul Hollywwod sait en produire. Je n'ai pas trouvé le moindre intérêt à cette histoire bavarde et crétine.

scénario: 5/20   acteurs: 15/20   technique: 16/20      note finale 6:20

Jake et Lainey ont perdu ensemble leur virginité sur un coup de tête à l'université. Quand ils se recroisent 12 ans plus tard à New York, ils réalisent tous les deux qu'ils sont devenus des champions de l’infidélité. Prêts à tout pour trouver des solutions à leur problème, ils s'engagent dans une relation platonique sans tabous afin de s'entraider dans leur quête du véritable amour.

 Encore un film inutile au scénario incertain, le genre de film qui ne sert à rien et qui n'apporte rien. les acteurs s'agitent et on baille d'ennui. La saison des navets continue. Mais c'est bien filmé.

scénario: 7/20        acteurs: 10/20    technique: 16/20   note finale: 8/20

Michel, la cinquantaine, est infographiste. Passionné par l'aéropostale, il se rêve en Jean Mermoz quand il prend son scooter. Et pourtant, lui‐même n’a jamais piloté d’avion…

Un jour, Michel tombe en arrêt devant des photos de kayak : on dirait le fuselage d’un avion. C'est le coup de foudre. En cachette de sa femme, il achète un kayak à monter soi‐même et tout le matériel qui va avec. Michel pagaie des heures sur son toit, rêve de grandes traversées en solitaire mais ne se décide pas à le mettre à l'eau. Rachelle découvre tout son attirail et le pousse alors à larguer les amarres.

Michel part enfin sur une jolie rivière inconnue. Il fait une première escale et découvre une guinguette installée le long de la rive. C’est ainsi qu’il fait la connaissance de la patronne Laetitia, de la jeune serveuse Mila, et de leurs clients ‐ dont la principale occupation est de bricoler sous les arbres et boire de l’absinthe. Michel sympathise avec tout ce petit monde, installe sa tente pour une nuit près de la buvette et, le lendemain, a finalement beaucoup de mal à quitter les lieux…

Si l'on excepte ses adaptations de Gaston Leroux où il joue à Rouletabille, Bruno Podalydès consacre ses films (Dieu seul me voit, Liberté Oléron, Adieu Berthe…) à des personnages ordinaires dont soudainement la foldinguerie éclate au grand jour de manière comico-poétique. Et ça donne des comédies aussi originales que réjouissantes…
Le personnage de Michel (joué par le réalisateur lui-même) n'échappe pas à la règle. Il est infographiste dans une boite tranquillement dirigée par son copain Rémi, quelque part dans l'Ouest parisien. Toute la journée il reste derrière son écran à modéliser en 3D des formes diverses. Mais quand vient la fin de la journée, l'esprit de Michel s'élève au firmament à travers sa passion : la glorieuse histoire de l'Aéropostale, qui fut fatale à Saint Exupéry. Et quand il met le contact de son scooter pour rentrer chez lui, il s'imagine un peu en Mermoz derrière le manche à balai de son Latécoère. Chez lui l'attend souvent Rachel (lumineuse Sandrine Kiberlain), la femme de sa vie, qui regarde avec tendresse ses petites manies et accepte sans sourciller la décoration de l'appartement, uniquement dévolue à la compagnie aérienne et aux objets qui s'y rapportent. Les collègues ne s'y trompent pas et quand c'est l'anniversaire de Michel, les cadeaux sont exclusivement liés à l'aviation.

Mais la vie du monomaniaque va prendre un tour étrange : en cherchant des palindromes (des mots qui se lisent de droite à gauche aussi bien que de gauche à droite), il s'attarde sur une image de kayak (qui en est un, palindrome). Et soudainement se rend compte de la silhouette purement aéronautique de l'objet. Son obsession se transfère d'un coup sur l'embarcation. Il commande en secret un modèle de luxe en kit, qu'il assemble à grand peine dans son salon avant de le monter sur le toit de son immeuble… La suite va voir notre Michel, finalement soutenu par Rachel, se lancer, une fois l'intégralité de l'équipement du kayakiste hi-tech commandé, à l'assaut d'une rivière, en l'occurrence un très paisible cours d'eau, puis s'arrimer au bout de seulement quelques kilomètres à proximité d'une auberge estivale tenue par Lætitia (Agnès Jaoui troublante de sensualité) pour finalement bien plus de temps qu'il ne faudrait.

Comme un avion célèbre le pas de côté que nous pouvons tous faire un jour ou l'autre, aussi rangées soient nos vies. Michel transforme un hobby obsessionnel en moyen de s'échapper pour quelques jours dans un havre de paix et de liberté, l'auberge de Laetitia qui semble doucement retirée du monde, en tout épicurisme.
Comme un avion joue autant de l'humour burlesque du personnage de Michel, urbain maladroit, encombré de tout un tas de gadgets inutiles comme s'il se lançait dans un raid sur le Zambèze, que de la poésie engendrée par son escapade. Et le film est habité par une galerie de personnages secondaires touchants ou drôles : formidable Vimala Pons en jeune serveuse bohème un chouia dépressive, qui pleure à chaque pluie en souvenir d'un chagrin d'amour arrosé, ou Michel Vuillermoz en client éternel de l'auberge qui s'enfile absinthe sur absinthe entre deux travaux de peinture, et pour finir l'hilarant Pierre Arditi, dans le rôle d'un pêcheur irascible qui ressemble diablement à Pierre Arditi…

 Un film sur l'amitié qui tourne un peu à vide. C'est sympa mais ça ne mène à rien. Le scénario et les dialogues sont minimalistes. Il faut croire que c'est la saison des navets... On regarde ces acteurs avec plaisir mais franchement l'histoire est légère, légère... Juste une tranche de vie. C'est bien filmé.

scénario: 10/20      acteurs: 14/20   technique: 16/20   note finale: 12/20

Cinq amis depuis plus de trente ans, ayant renoncé depuis longtemps à leurs rêves d’adolescents, découvrent un beau jour que le plus assagi de la bande plaque tout pour faire son tour du monde en bateau. En comprenant ce que cache cette décision soudaine, cela réveille leurs plus vieux rêves... Où sont passés leurs 20 ans... Ceux de l'époque où ils voulaient tout casser.

 Bravo à ceux qui ont réussi à faire le buzz avec "rien"... parce que vraiment, il n'y a pas de quoi. Un cliché chasse l'autre. Les lieux communs s'enchaînent et en plus, c'est mal filmé. Les "nazis" sont de grosses brutes alcooliques et pas très fines. Et de toute façon, il n'y a pas de rédemption. Pas terrible, le scénario est vraiment minimum. Beaucoup trop caricatural. Dommage, l'idée de base était intéressante.

scénario: 10/20   technique: 5/20    acteurs: 14/20   note finale: 7/20

Avec ses copains, Braguette, Grand-Guy, Marvin, Marco cogne les Arabes et colle les affiches de l'extrême droite. Jusqu'au moment où il sent que, malgré lui, toute cette haine l'abandonne. Mais comment se débarrasser de la violence, de la colère, de la bêtise qu'on a en soi ? C'est le parcours d'un salaud qui va tenter de devenir quelqu'un de bien.

Comment raconter efficacement, sans tergiversations inutiles ni raccourcis simplificateurs, l'émergence de l’extrême droite, et de ses petits soldats, son apparente et hypocrite métamorphose au moment où rien ne semble devoir endiguer son succès grandissant ? Comment montrer sans clichés le parcours, depuis la fin des années 80, de ces petits nazillons avides de ratonnades et voyant dans la Shoah un détail de l'histoire, et qui pour certains réussissent à faire croire à des millions de français, trente ans plus tard, que leur parti porte des valeurs républicaines ?
Diastème, journaliste, écrivain, dramaturge, cinéaste… choqué notamment par la mort du jeune Clément Méric, répond à ces questions par un film prenant et perturbant. À travers une fiction bourrée de clichés et d'a priori, il suit plusieurs représentants de ceux que l'on appelait skinheads, dont les premières bandes sont nées à la fin des années 80. Des gars bas du front, souvent d'origine ouvrière (mais pas que), tels qu'en côtoyait Diastème dans sa banlieue d'origine. Des mecs au racisme et à l'homophobie assumés : alors que les revendications des populations issues de l'immigration se faisaient entendre avec la Marche contre le Racisme, alors que les communautés homos se rendaient visibles, ils laissaient exploser leur haine contre tous ceux qu'ils détestaient, gauchistes, pédés, rebeus ou blacks, leurs ennemis déclarés étant les punks et les redskins – en Angleterre, le mouvement skin étant au départ un mouvement prolétaire et musical plutôt de gauche avant d'être dévoyé par les néo-nazis.

A la fin des années 80 donc, les rues des grandes villes françaises deviennent des terrains de chasse et de baston alors qu'arrive en embuscade, à l'occasion des élections de 1988, le Front National, qui va exploiter tous ces garçons débordant de testostérone. Diastème s'attache particulièrement aux pas de Marc Lopez, un jeune gars qui vit avec une mère éteinte et malade et un père alcoolique dans un triste appartement HLM et qui trouve une seconde famille dans la bande de brutes dirigée par le charismatique Braguette. Avant de s'en écarter peu à peu. Marc Lopez est incarné par l'impressionnant Alban Lenoir, dont la métamorphose est assez stupéfiante au fur et à mesure que la haine l'abandonne, quand l'âge le rend plus serein.
Le film use du ressort trop facile de la rencontre décisive qui fait changer du jour en lendemain le personnage. Il présente une succession d'épisodes qui font naître le doute, qui correspondent à des moments précis et historiquement exacts : le meurtre en 1990 d'un malheureux Africain contraint de boire du Destop, ou encore, en 1995, la noyade de Brahim Bouarram, jeté à la Seine par des skins en marge du cortège du Front National… A travers le parcours de Marc, Un Français analyse intelligemment l'évolution du milieu, la récupération de ses éléments les plus présentables par le FN et ses cadres de la haute bourgeoisie – qui tentent dans le même temps de se débarrasser des énergumènes les plus incontrôlables –, jusqu'au recyclage actuel de nombre de ces ex-nazillons dans la Manif pour tous et la nouvelle extrême droite décomplexée.

 Ennuyeux et raté! Difficile de défendre un scénario inexistant. Les actrices surjouent et c'est ridicule. Audrey Lamy est cependant formidable. C'est complètement raté. Charlotte de Turkhein nous avait habitué à mieux. C'est bien filmé.

scénario: 8/20        actrices: 12/20     technique: 16/20   note finale: 8/20

Sam, au chômage et pom-pom girl à ses heures, se bat pour conserver la garde de sa jeune soeur et pour arrondir les fins de mois difficiles. Avec Céline, sa colocataire et meilleure amie, elles imaginent toutes les solutions pour s’en sortir – du téléphone rose à l’art floral –jusqu’au jour où un couple inattendu vient sonner à leur porte…

 Ce n'est pas mon genre de film et il ne m'a pas convaincu. Mais je suppose qu'il plaira aux amateurs parce qu'il est assez bien fait avec plein d'effets spéciaux que je trouve mauvais mais qui raviront probablement les afficionados.

scénario: 10/20         technique: 10/20     acteurs: 14/20   note finale: 10/20

Lorsque la tristement célèbre Faille de San Andreas finit par s'ouvrir, et par provoquer un séisme de magnitude 9 en Californie, un pilote d'hélicoptère de secours en montagne et la femme dont il s'est séparé quittent Los Angeles pour San Francisco dans l'espoir de sauver leur fille unique. Alors qu'ils s'engagent dans ce dangereux périple vers le nord de l'État, pensant que le pire est bientôt derrière eux, ils ne tardent pas à comprendre que la réalité est bien plus effroyable encore…

Je n'aime ps ce genre de film et celui-ci ne m'a pas convaincu malgré la remarquable interprétation de Vincent Lindon qui a largement mérité son prix d'interprétation de Cannes. Mais les autres acteurs sont très médiocres. Je n'aime pas le cinéma réaliste parce que pour moi, le cinéma doit faire rêver et moi la pauvreté, le chômage, l'indigence intellectuelle ça ne me fait pas rêver. techniquement, le film a visiblement manqué de moyens: mal filmé, des plans approximatifs. Le scénario et les dialogues auraient mérité d'être améliorés. Ce film est un triste constat du quotidien de certain. C'est triste.

scénario: 12/20         technique: 12/20       acteurs: 15/20    note finale: 12/20

À 51 ans, après 20 mois de chômage, Thierry commence un nouveau travail qui le met bientôt face à un dilemme moral. Pour garder son emploi, peut-il tout accepter ?

Dès la première scène, impressionnante d'intensité, le ton est posé. Un homme – c'était le titre de travail du film : « Un homme » – d'une cinquantaine d'années est en discussion avec son conseiller Pôle Emploi. L'homme tente de comprendre pourquoi on l'a inutilement aiguillé sur un stage de grutier alors que seuls les candidats ayant déjà une expérience dans le bâtiment peuvent postuler à un emploi dans cette spécialité. Il a suivi assidûment son stage pendant plusieurs semaines, il a réussi l'examen final mais il n'a aucune chance de trouver un boulot. Pourquoi lui avoir fait perdre son temps, à lui et à une douzaine de participants au stage qui sont dans la même situation ? Le conseiller avoue ne pas trouver d'explication, pas plus que de solution miracle. L'homme est au chômage depuis vingt mois, il sera prochainement en fin de droits, il peine à contenir sa colère. Mais il la contient, conscient sans doute que son interlocuteur est aussi désemparé que lui. L'absurdité d'un système qui met des emplâtres dérisoires sur le chômage endémique est mis à nu dans cette séquence où Thierry – le personnage principal incarné par un Vincent Lindon exceptionnel – crève l'écran.

Thierry, c'est un de ces ouvriers qui croyait, comme beaucoup, après des années de labeur rigoureux au service de la même entreprise, se diriger vers une fin de carrière et de vie toute tracée : une vie de couple heureux et soudé malgré les difficultés (ils ont un enfant lourdement handicapé pour qui ils se battent au quotidien afin de lui assurer une formation au niveau de ses réelles capacités intellectuelles), dans leur modeste appartement qu'ils ont presque fini de payer, avec même un petit mobile home pour les vacances estivales. Mais sacrifié sur l'autel des délocalisations et de l'optimisation des dividendes, Thierry s'est retrouvé à cinquante balais sur le carreau, en même temps que tous ses camarades d'atelier. Contrairement à certains, il a renoncé, par lassitude, au combat contre ses anciens patrons (remarquable scène qui l'oppose à un copain syndicaliste incarné fort à propos par l'ex-Conti Xavier Mathieu, célèbre pour son coup de gueule salutaire contre l'arrogant Pujadas) pour se consacrer à la recherche d'un emploi, coûte que coûte. Et il va subir tout le parcours des seniors au chômage : l'entretien déshumanisé et tragi-comique par Skype, la session de « comment bien se vendre à un futur employeur » avec jeux de rôle infantilisants, les rendez-vous à la banque avec une attachée de clientèle qui pourrait être sa fille et qui lui donne des conseils humiliants de réalisme… Pour finir par décrocher un poste de vigile en supermarché où il va être contraint de surveiller et de réprimer plus pauvre encore que lui, y compris ses collègues…

Stéphane Brizé, on le suit avec admiration et même affection depuis son tout premier film, Le Bleu des villes. Sont venus ensuite Je ne suis pas là pour être aimé, Mademoiselle Chambon, Quelques heures de printemps… Des chroniques superbes qui saisissaient avec subtilité les fêlures de l'intime, qui exploraient avec lucidité et empathie les sentiments amoureux et familiaux. Dans La Loi du marché, Brizé élargit son propos et s'empare de la question sociale, et des répercussions qu'elle a justement sur la sphère privée : conséquences désastreuses de la nouvelle barbarie économique sur la vie quotidienne de ceux qui la subissent et qui ne sont en rien armés pour être des combattants politiques, en rien des grandes gueules revendicatrices, simplement des gens qui ont un minimum de bon sens, de dignité et d'humanité. Oui, La Loi du marché est un grand film sur la dignité irréductible des humains ordinaires.
Vincent Lindon incarne avec une puissance saisissante ces valeurs, même si son personnage a dû longtemps les enfouir, les faire taire parfois dans l'espoir de conserver à sa famille le bonheur simple qu'elle s'était construit. Le film trouve une force singulière dans la manière dont il laisse aux scènes le temps de durer, jusqu'au malaise parfois, en tout cas jusqu'à ce que la vérité des personnages et des situations s'exprime dans toutes ses nuances. Et aussi dans le choix audacieux qu'a fait Stéphane Brizé de confronter Vincent Lindon à des acteurs non professionnels, dans des rôles souvent très proches de ceux qu'ils occupent dans la vie. Comme le dit le réalisateur, « je doute qu'ils sachent faire ce que des acteurs font mais ce qu'ils font, je pense qu'aucun acteur n'est capable de le faire. »

 Moyen, moyen. C'est toujours difficile de critiquer un film qu'on a trouvé moyen quand saint le travail qu'il y a derrière... Mais là, bof. Il y a de bons trucs, de bonnes trouvailles mais la sauce ne prend pas.

scénario: 10/20     acteurs: 12/20     technique: 16/20   note finale: 12/20

Alex et Jeff, collègues de bureau dans une multinationale, sont aussi les meilleurs amis du monde depuis le lycée. Avec leurs femmes respectives, ils forment ensemble presque une famille, qui se fraye un chemin dans la vie, tranquillement, doucement, sans grande ambition. Pourtant l’arrivée de Thibaut, conférencier et spécialiste en développement personnel, ne va pas tarder à mettre à mal leur équilibre pépère. Et pour cause, Thibaut est un ami d’enfance d’Alex. À l’époque, ces deux-là, super complexés et toujours mis à l’écart dans la cour d’école, s’étaient promis de réussir leur vie, coûte que coûte. Aujourd’hui, le beau et brillant Thibaut semble pour sa part avoir tenu sa promesse et pousse Alex à réaliser ses rêves au risque de perdre l’amitié de Jeff... Mais sommes-nous tous voués à un destin exceptionnel ?

 L'appartement dans lequel est joué ce film est magnifique! Mais quel ennui, quel ennui... Je ne suis vraiment pas la cible de ce film que j'ai trouvé ennuyeux comme la pluie... Du théâtre filmé et c'est vraiment pénible. C'est bien filmé. Un film peut-être pour les vieux?

scénario: 5/20     acteurs: 10/20   technique: 16/20   note finale: 8/20

Max, Paul et Simon sont amis depuis 35 ans. Une amitié joyeuse, assidue et sans nuage. Si leur vie professionnelle est une réussite, le bilan de leur vie privée est plus mitigé. Un soir, nos trois amis ont rendez-vous chez Max pour une partie de cartes. Simon apparaît anéanti, et raconte qu’il s’est disputé avec Estelle son épouse et que dans un accès de colère, il l’a étranglée. Max et Paul sont saisis d’effroi. Surtout quand Simon les supplie de lui fournir un alibi afin qu’il puisse échapper à la prison. Max et Paul hésitent. Mentir à la justice ou dénoncer leur meilleur ami ?

 Un peu comme "nos femmes": dommage que deux films aussi proches sortent en même temps, l'histoire de trois amis patati patata. Ce n'est pas génial, mais ce n'est pas aussi ennuyeux que "nos femmes". On se demande à quoi ça sert de faire ce genre de films et surtout quel est la cible? Mais quelque soit la qualité des acteurs, avec un scénario ennuyeux, difficile de faire autre chose qu'un film ennuyeux.

scénario: 12/20     acteurs: 16/20     technique: 16/20   note finale: 12/20

Richard, Gilles et Philippe sont amis depuis près de cinquante ans. Le temps d’un été, ils embarquent avec leurs compagnes sur un magnifique voilier pour une croisière vers la Corse. Mais la cohabitation à bord d’un bateau n’est pas toujours facile. D’autant que chaque couple a ses problèmes, et que la météo leur réserve de grosses surprises... Entre rires et confessions, griefs et jalousies vont remonter à la surface. Chacun va devoir faire le point sur sa vie et sur ses relations aux autres. L’amitié résistera-t-elle au gros temps ?

 Très moyen. On rit parfois mais peu. Certains semblent confondre humour et grossièreté; les acteurs sont peu inspirés. il faut dire qu'ils doivent défendre un scénario et des dialogue pas terribles. C'est bien filmé mais l'histoire n'est vraiment pas géniale.

scénario: 12/20     acteurs: 12/20    technique: 16/20    note finqle: 10/20

Robin des Bois est un sale type. Lui et son compère Tuck ont une éthique très claire dans la vie : ils ne volent que les pauvres, les femmes ou les vieux. Le reste ? Trop risqué. Mais même les sales types ont des rêves, et le leur est de racheter la maison close la plus courue de la ville, le Pussycat. Robin, que rien n’arrête lorsqu’il s’agit de s’enrichir, décide alors d’aller chercher l’argent là où il se trouve et projette de dévaliser la caisse des impôts de Nottingham. Mais sa rencontre avec le gang de Sherwood, des justiciers qui eux volent les riches pour donner aux pauvres, va contrarier ses plans. Petit Jean, Marianne et leurs amis ont en effet eu exactement la même idée que lui : braquer le Shérif de Nottingham. La (vraie) légende de Robin des Bois peut enfin commencer !

 Bof, bof, bof. Pas terrible. Le scénario est approximatif et les dialogues insipides. Même les acteurs se demandent ce qu'ils font là-dedans et mettent peu d'entrain dans leur jeu. Ils s'ennuient, on s'ennuie et c'est dommage. mais c'est bien filmé.

scénario: 5/20        acteurs: 8/20      technique: 16/20    note finale: 8/20

Alfonso, agent blasé et brutal du Service de Protection des Hautes Personnalités, est obligé de faire équipe avec Walter, jeune recrue inexpérimentée, fasciné par le monde du show-biz.
Ce duo improbable est chargé de la protection de Jal-Y, jeune star du R'n'B, menacée par son ex, un criminel en cavale.

 L'imag et la photos sont magnifiques, mais que c'est déprimant et ennuyeux... comme les oeuvres du poète ... Bref, moyen...

scénario: 14/20   acteurs: 14/20   technique: 19/20   note finale: 12/20

Italie. XIXe siècle. Giacomo Leopardi est un enfant prodige. Issu d’une famille aristocratique, il grandit sous le regard implacable de son père. Contraint aux études dans l’immense bibliothèque familiale, il s’évade dans l’écriture et la poésie. En Europe, le monde change, les révolutions éclatent et Giacomo se libère du joug de son père ultraconservateur. Génie malheureux, ironique et rebelle, il deviendra, à côté de Dante, le plus célèbre poète italien.

Recanati, petite ville des Marches, début du xix^e siècle. Le comte Monaldo Léopardi élève ses trois enfants dans un enfermement des plus studieux. Giacomo, Carlo et Paolina sortent très peu et toujours accompagnés. Ils passent leurs journées cloîtrés, travaillant sans relâche dans l'imposante bibliothèque de leur père, une des plus importantes d'Italie. Un père qui, malgré sa rigueur et ses exigences, aime sincèrement ses enfants et s’inquiète particulièrement pour Giacomo. En effet, cet étudiant prodige, qui fait la fierté de toute sa famille et maîtrise parfaitement le grec, le latin et l'hébreu, souffre d'une santé extrêmement fragile. À 17 ans une scoliose dorsale annonce la déformation prochaine de son corps et une ophtalmie l'empêche déjà de lire pendant de longues périodes.

Ne voir le monde que par la fenêtre de son bureau ne lui suffit plus. Il ressent le besoin de plus en pressant de sortir de cette prison, à défaut de pouvoir sortir de ce corps. La première rupture avec son père, pourtant sincèrement aimé, viendra de la correspondance cachée qu'il va entretenir avec le poète Pietro Giordani. Ce dernier, convaincu du talent de Giacomo, l'encourage à venir s'installer à Florence. Ce départ ne pourra se faire tout de suite, mais leurs échanges aideront Giacomo à choisir une autre voie que celle tracée par son père en faisant évoluer son regard sur la société, la religion…
Quand enfin il parviendra à partir, il fera l'amer constat que quitter sa famille et sa ville ne suffisent pas à lui apporter cette liberté tant espérée. Il souffre beaucoup, physiquement, amoureusement. Il n'est à l'aise nulle part, pas même avec ses amis progressistes qui lui reprochent son éternel pessimisme, quand eux sont enthousiastes à voir naître une Italie nouvelle, moderne, qui annonce la révolution menée par Garibaldi.
Leopardi a trop à faire avec ses tourments, il ne reste pas de place pour la politique. Le lien qu'il garde avec le monde ne tiendra plus vers la fin de sa vie qu'à sa très grande amitié avec Antonio Ranieri. Ses poèmes, « Premier amour », « Les Canti », ainsi que son journal intime publié à titre posthume sous le titre « Zibaldone », expriment toute cette souffrance. Mais celui qui considère que « hormis la douleur, tout est vanité » chante aussi le printemps et la beauté. Aujourd'hui Giacomo Leopardi est considéré en Italie comme le plus grand poète du pays après Dante.

Mario Martone, connu aussi comme metteur en scène de théâtre, nous propose grâce à la finesse de son travail sur les décors, le son, les lumières, une superbe immersion dans l'Italie du xix^e siècle. Sa plus grande réussite réside probablement dans sa capacité à mêler la poésie de Léopardi au récit de sa vie. Il est indéniable que le film repose également sur la prestation d'Elio Germano, qui incarne presque littéralement Leopardi tant ce corps abimé semble être le sien.

Pas trop mon genre mais bon, après la mort accidentelle de Paul  Walker... Rien de neuf, scénario minimaliste et cascades de plus en plus incroyables. Je crois que l'opus 8 sera à classer dans la catégorie "science fiction"... lol Débile et sans intérêt

scénario: 12/20       acteurs: 16/20      technique: 17/20   note finale: 14/20

Dominic Toretto et sa "famille" doivent faire face à Deckard Shaw, bien décidé à se venger de la mort de son frère.

Ce qui choque le plus dans ce film, c'est la laideur des deux acteurs principaux. Ils sont d'une laideur repoussante et c'est dérangeant. Après l'histoire est un peu bizarre mais pourquoi pas? L'histoire de cette femme obsédée par la "pureté" qui refuse de nourrir son fils correctement. Et pour finir, c'est mal filmé.

scénario: 12/20      technique: 12/20    acteurs: 12/20   note finale: 12/20

Jude est Américain, Mina Italienne. Ils se rencontrent à New York, tombent fous amoureux et se marient. Lorsque Mina tombe enceinte, une nouvelle vie s’offre à eux. Mais l’arrivée du bébé bouleverse leur relation. Mina, persuadée que son enfant est unique, le protège de façon obsessionnelle du monde extérieur. Jude, par amour, respecte sa position jusqu’à ce qu’il comprenne que Mina commence à perdre contact avec la réalité.

Cela commence par une rencontre hilarante que je résiste à l'envie de vous raconter. Un coup de foudre excrémentiel qui restera gravé dans les annales… Comme quoi on ne sait ni le jour ni l'heure où l'amour vous tombe dessus… Cœurs désespérés cessez de l'être ! Même dans les lieux et les circonstances les plus ridicules, si on ne meurt pas de rire, on peut rencontrer l'âme sœur. C'est ainsi que Mina et Jude se trouvèrent. Lui pas vraiment beau, elle pas vraiment belle, mais très charmants à coup sûr, et faits l'un pour l'autre : on dirait presque une chanson à l'eau de rose…
Après s'être dévorés des yeux, les voilà au pieu et partis pour le partager une partie de l'éternité, dans un appartement donnant sur les toits d'un New-York hors du temps, aux multiples facettes… Elle l'italienne à l'air diaphane, légère comme une bulle (Alba Rohrwacher, carrément impressionnante)… Lui l'américain à l'allure singulière, épais comme un adolescent aux airs de doux rêveur indécis et lunaire (Adam Driver, impeccable mais très laid).

On imagine que le petit couple va suivre une voie proprette et sans encombre. On sent poindre l'idée (pas tout à fait partagée) qu'un rejeton scellerait merveilleusement cette union. Mina n'a pas le temps de dire ouf que le test de grossesse lui confirme la chose : elle est en cloque ! Un petit mariage à la clef pour légitimer le tout ? Allez ! Tant qu'on y est ! C'est l'occasion de rencontrer le reste de la famille, surtout la mère de Jude, Anne (Roberta Maxwell, inquiétante à souhait), un regard mi-fou mi compatissant, une future excellente grand-mère dévouée, qui attire tout à trac les confidences de Mina. Connivence naissante qui n'enthousiasme pas Jude : comme tout grand garçon émancipé, il ne veut pas avoir sa mère dans les pattes… Bref, la noce se passe… Et je crois que c'est là qu'on commence à pressentir que pourraient s'accumuler dans le ciel sans tâche de leur félicité les prémices de petits nuages qui deviendront grands et orageux si le destin leur prête vie…

Et de fait tout chancelle insensiblement, méthodiquement, presque sans bruit. Le comportement de Mina change imperceptiblement, sans vague. Jude est tellement occupé à baigner dans sa mer de bonheur immuable – et accessoirement à beaucoup travailler – qu'il semble à peine remarquer la chose : il pose sur son aimée le même regard qu'un labrador énamouré inconditionnel de sa maîtresse. Il s'inquiète bien parfois de voir Mina fondre, devenir de plus en plus fluette, presque un ectoplasme évanescent. Mais elle lui parle avec une telle assurance calme et douce qu'il gobe tout. Elle le persuade du bien fondé de sa démarche de végétalienne : elle doit purifier son organisme pour le bébé qu'elle porte… Pas n'importe lequel, une rareté : un enfant indigo… Et on se prend à attendre avec eux, dans leur univers feutré, ouaté, loin des impuretés du monde, l'arrivée du divin enfant. L'harmonie parfaite de leur couple idyllique, après nous être apparue comme suspecte devient dérangeante, insupportable, jusqu'à faire froid dans le dos… Et l'arrivée du bébé ne va faire que confirmer cette impression de profond malaise : Mina devient obsédée par l'idée de protéger son garçon du monde extérieur, progressivement elle s'en retire donc, s'en isole, créant une sorte de bulle irrespirable autour d'eux, excluant presque naturellement Jude…

 La science fiction, ce n'est pas ma tasse de thé mais certains films peuvent être réussis. ce n'est pas le cas de celui-ci dont le scénario est complètement débile. Pauvres acteurs: ils font ce qu'ils peuvent mais ils n'y croient pas eux-mêmes. C'est vraiment crétin. Les effets spéciaux sont médiocres.

scénario: 5/20     technique: 8/20    acteurs: 8/20   note finale: 6/20

Née sous un ciel étoilé, Jupiter Jones est promise à un destin hors du commun. Devenue adulte, elle a la tête dans les étoiles, mais enchaîne les coups durs et n'a d'autre perspective que de gagner sa vie en nettoyant des toilettes. Ce n'est que lorsque Caine, ancien chasseur militaire génétiquement modifié, débarque sur Terre pour retrouver sa trace que Jupiter commence à entrevoir le destin qui l'attend depuis toujours : grâce à son empreinte génétique, elle doit bénéficier d'un héritage extraordinaire qui pourrait bien bouleverser l'équilibre du cosmos…

Le sujet de base était séduisant mais le scénario est si mauvais qu'on s'ennuie vite en regardant ce navet. De plus,  la faiblesse du jeu de l'acteur principal rend le film encore plus indigeste. Enorme déception. c'est pourtant bien filmé et les autres acteurs font ce qu'ils peuvent. Mais c'est pénible à suivre.

scénario: 3/20        acteurs: 12/20   technique: 16/20   note finale: 8/20

1940 : Alan Turing, mathématicien, cryptologue, est chargé par le gouvernement Britannique de percer le secret de la célèbre machine de cryptage allemande Enigma, réputée inviolable.

Ouai bof, je n'ai pas vraiment été sensible aux grimaces de Johnny Deep qui en fait beaucoup trop. Bof, bof, bof

scénario: 12/20       acteurs: 12/20    technique: 16/20   note finale: 12/20

Beaucoup de monde est à la poursuite de Charlie Mortdecai : des Russes fous furieux, les services secrets britanniques très remontés, un terroriste international et même sa somptueuse épouse… Pour se tirer des situations impossibles qui le guettent, l’élégant marchand d’art et escroc occasionnel n’a que son charme. Il va lui en falloir beaucoup s’il veut s’en sortir vivant et être le premier à retrouver le tableau volé qui conduit au trésor caché des nazis…

 Si on oublie que cette histoire vient de la bible, on peut trouver ce navet hollywoodien intéressant. Mais dans le cas contraire, c'est navrant et désespérant. Les images de synthèses sont ratées. Les acteurs ne sont pas au mieux de leur forme et le scénario est moyen.

scénario: 12/20           acteurs: 12/20    technique: 12/20   note finale: 12/20

L’histoire d’un homme qui osa braver la puissance de tout un empire.
Ridley Scott nous offre une nouvelle vision de l’histoire de Moïse, leader insoumis qui défia le pharaon Ramsès, entraînant 600 000 esclaves dans un périple grandiose pour fuir l’Egypte et échapper au terrible cycle des dix plaies.